Hablando de Maya Goded y su trabajo sobre la mujer, desde dos cintas que tratan la prostitución.

Llena de rostros que muestran el reflejo de lo que son las mujeres, no de lo que quieren ser, sino de lo que han tenido que vivir para poder ser. ¿Es acaso el penar de un estigma el peor de los castigos? No lo creo, pero no creo que exista una forma más bella de sobrellevar ese pesar que si no fuera con la asimilación de lo que significa ser una mujer, con todos sus contextos y limitaciones. Esa es Maya, una mujer que presta su lente para reflejar de forma empática lo que ella ha observado por todos lados y que le hace retratar lo que para ella significa ser mujer, desde su cariño por cada una de ellas.

Porque hay cosas que nos preceden y que nos estigmatizan desde nuestro nacimiento, ese es el pesar de muchas mujeres que tuvieron que padecer la imposición de una visión machista. Que las pretende reflejar como una posesión u objeto, y les impide decidir sobre su destino y quehacer. Sin embargo, Maya Goded nos recuerda que no hay nada más erróneo que eso. Porque justo en estas condiciones de suma violencia, es donde Maya logra reflejar una belleza insuperable, inquebrantable, casi inexplicable. Y es que la formación de una mujer tiene un trasfondo y una historia tan fuerte, que sólo puede ser posible a través de un vínculo entre ellas dado por el compartir de las experiencias y el amor mutuo, haciendo sobrellevable cada una de las dificultades que se les impone.

Maya ha retratado varios aspectos de esto, y uno en los que ha incursionado por muchos años es la prostitución.  El trabajo que hace Maya es increíble a través de la forma de asumir cada una de las problemáticas que sufren las mujeres y reflejarlo de una manera empática y dignificable. Porque debemos entender que por más que se quieran implementar prejuicios morales sobre el quehacer de las prostitutas, muy lejos está de lo que realmente es la suerte que a algunas mujeres les tocó jugar y con ello seguir evocando esa gran lucha que mantienen no sólo ellas sino todas las mujeres contra las imposiciones morales y culturales.

Si bien gran parte de su trabajo se ha enfocado a la exposición fotográfica, el trabajo audiovisual también ha aparecido de manera paralela en sus diversos proyectos, la mayoría de ellos enfocado en el retrato de la mujer y su contexto socio-cultural. Sin embargo sólo dos de sus trabajos cinematográficos son los que mencionaré como parte de este vasto abordaje del tema. La primer cinta se titula La gloria de las prostitutas (Whores’ glory) realizada por el austriaco Michael Glawogger  en el 2011 pero que tiene la participación de Maya.

En este documental dividido en tres partes se retrata la prostitución en tres distintos países del mundo. Países en donde la prostitución es ejercida de manera tan grande y con tanta “libertad” o más bien impunidad que las apuntala como ejemplos de lo que más allá de ser una actividad lucrativa, es un reflejo de lo que le acontece a la mujer como algo más parecido a un objeto o medio por el cual se satisface un acto. Los tres países documentados son distintos en muchas cosas, entre ellos los aspectos económicos y culturales, y por tanto muestra tres distintas formas de suceder de este acto. El primer sitio está en Bangkok, nos muestra un lugar llamado The Fishtank, un prostíbulo que resalta por sus luces neón y los aparadores que desde las alturas o las paredes permiten contemplar a las chicas bailando y mostrando su cuerpo. Adentro podemos ver la dinámica de la mayoría de los prostíbulos “legales”: una barra de bebidas, mesas, tubos para bailar y claro la distinción del lugar, un aparador que separa a las chicas a seleccionar, de los visitantes. Este sitio a manera de lugar turístico para vacacionar muestra como desde distintos países asisten hombres explícitamente para tener sexo con las chicas, como si el sitio fuera un lugar que debe visitarse para tener sexo “alocado” y donde pueden hacer lo que no harían tal vez en otros lados. Algo que resulta bastante perverso.

El segundo país es Bangladesh, en donde se muestra un lugar habitacional llamado la cuidad de la alegría. Este lugar podríamos decir que se caracteriza por el hacinamiento de la gente que vive ahí, ya que comprende un sinfín de cuartos diminutos, con pasillos igual de estrechos en donde se encuentran mujeres de todas las edades, incluso con sus familias, las cuales se prostituyen por míseras cantidades de dinero. Muchas de las mujeres aún podrían considerarse niñas y las cuales han vivido así toda su vida, hacen lo que hacen porque no conocen otra forma de vida. Y por lo tanto las conversaciones con ellas muestran reflexiones tan tristes como otras con una indiferencia estremecedora. Y finalmente el tercer país que se retrata es México, para ser precisos, en la zona de la tolerancia de Reynosa.

Cabe mencionar que cada uno de los países que se muestran, contaron con un director de fotografía distinto, algo que se hace notar y hace darle un sentido particular a cada una de las historias. En el caso de México, Maya fue la encargada de la dirección fotográfica. Muy probablemente por tener un antecedente acerca de la documentación de la prostitución en la frontera de Reynosa, un trabajo fotográfico titulado Welcome to lipstick, que pueden checar en el sitio web de Maya. La llamada zona de la tolerancia es una de las muchas que hay o que existieron y fueron delimitadas así por el gobierno mexicano. Estas zonas que se crearon desde hace muchas décadas, incluso siglos, con los cuales se pretendía ejercer la prostitución de manera controlada y concienzudamente, más bien parecía un esfuerzo moral de tapar un problema común en el país. Sin embargo actualmente la “sonaja” (uno de los tantos nombres con los que también se le conoce a dicha zona) puede considerarse un poblado más de la frontera.

En la película podemos ver desde un peculiar punto de vista lo que podría representar la mirada de las prostitutas que pasan no sólo las noches ahí, sino también los días. Por las noches desfilan coches que a vuelta de llanta van conversando con las mujeres ya sea sólo por diversión o como una negociación para conseguir un buen precio, que de no ser el mejor sólo les alcanza para una mamadita rápida. Así vemos todo tipo de situaciones por las cuales pasan las mujeres con el fin de sacar lo del día, un día más de trabajo. Maya en esta cinta, al igual que en sus trabajos fotográficos previos, muestra un increíble ambiente de la cotidianidad de lo que representa vivir este tipo de vida. Uno que no tiene nada de lujos ni bienestar. Uno que los demás hacen ver como indigno y mucho menos respetable. Pero que valientes y osadas, se observa a cada una de las mujeres que ahí trabajan, afrontando cada una de las situaciones que parecen no sorprenderlas, a pesar del miedo a que pase lo peor, o como coloquialmente se dice, ya se las saben todas.

Esta cinta si bien enfoca un punto de vista más generalizado de la prostitución con particularidades a los extremos de la “profesión” también muestra algo que es aún más importante para el trabajo de Maya, que es la perspectiva de la mujer ante estas dificultades. Por eso en su cinta más reciente titulada Plaza de la soledad del 2016, Maya muestra a un grupo de prostitutas de la zona de la Merced en el centro de la ciudad de México. Mujeres maduras que podríamos estimar arriba de los 30 años y hasta alrededor de los 70. Viendo su día a día y como poco a poco nos cuentan cosas tan personales e íntimas que han padecido ya sea sexualmente o en su formación y que no necesariamente están asociadas a la prostitución sino a la violencia común de los hombres hacia las mujeres.

Muestra como durante toda su vida el sexo no ha sido una forma libre de ejercerse, pocas veces un aspecto placentero, pero siempre como un hecho que deben soportar por una violencia masculina que no repara en el consentimiento ni el respeto. Acostumbradas a una forma de vida así vemos como sobrellevan este tipo de violencia tan común en la comunidad que ven en esta violencia una forma de sustento económico. Algo hermoso de la cinta,  que no sólo puede ser retomado al aspecto de la prostitución, es ver como ante dicho grado de violencia y abuso, las mujeres se han podido agrupar, respaldar, dar consejos y apoyo ante situaciones tan adversas, incluso mortales. Y donde la familiaridad llega a crear lazos de afecto  que a pesar de no ser genéticos, permiten  tener un gran aprecio por el hecho de ser mujeres y conocer lo que sin decirse se sabe que toda mujer sufre por el simple hecho de serlo.

Tal vez el hecho de que Maya haya pasado muchísimos años documentando la vida de estas mujeres (más de diez para la creación de la película) hace que sea posible observar ese punto de vista tan íntimo y empático no con las mujeres prostitutas, sino con todas las mujeres que al menos viven en México por el hecho de que a cada momento se encuentran susceptibles a la violencia de género, el cual cada día es más explícito y físico. No existe un sólo sector económico que no se vea afectado por esta violencia y tener trabajos tan bellos y hechos con tanto esmero hacen que sea imposible no sensibilizarse con este tipo de problemáticas que le acontecen al país. Por eso para mí es casi necesario que se vean este tipo de trabajos (porque no es el único con este enfoque, pero tal vez sí de los más accesibles a ver) y difundir para tratar de combatir la problemática por todos los medios posibles que se pueda.

Transformaciones corpóreas

Hay un aire de misticismo que envuelve al tema de las corporalidades en el cine. Si bien existe un sinfín de formas en el que ha sido abordado el tema, como son humanos monstruosos, muertos que reviven, mutantes con superpoderes (los cuales incluyen super cuerpos o adquisiciones como alas entre otras cosas) y demás aspectos que terminan en la mayoría de los casos en la ciencia ficción, cada uno de estos sucesos siempre deja una rara sensación de algo ajeno, de que cada uno de estos ejemplos son eventos fuera de nuestro alcance y que el hecho de que sucedan, la mayoría de las veces tiene repercusiones fatales. 

Y es precisamente ese enfoque catastrofista al que siempre se recurre cuando se trata este tema en el cine. De manera muy curiosa el aspecto de lo inalcanzable y la posibilidad de conseguir dichos cambios en el cuerpo, se maneja desde el punto de la ciencia y más que ciencia desde la experimentación de lo no permitido, de lo inexplorado, de lo que pareciera imposible. Y tal vez existen muchos más ejemplos abordados en la literatura que en el cine, de hecho muchas cintas se basan en libros para su creación, pero a mí me resulta mucho más impactante el tema en las cintas por esa exposición explicita de imágenes que muestran a cuerpos inimaginables y creados de formas igual de sorprendentes. Dejando en el espectador un recuerdo que al menos en mi caso resulta imborrable y merecedero no sólo de su mención y recomendación sino también de su análisis y el porqué de la exposición de estos temas.

Antes de comenzar a hablar sobre mi selección de cintas sobre este tema, quizás es necesario delimitar la línea que seguirá mi abordaje acerca de las corporalidades, porque como ya dije, existen un montón de películas que pueden entrar en este tema de ciencia ficción, en donde la experimentación es el vehículo por el cual se puede llegar a explorar panoramas inimaginables del cuerpo humano. Un ejemplo, La mosca (The fly) de David Cronenberg realizada en 1986 

en donde un científico al pretender construir un aparto que permita la teletransportación de objetos u organismos, sufre una transformación paulatina de su cuerpo ya que de manera fortuita su ADN se ve modificado con el de una mosca al utilizar dicho aparato, creando un monstruo que poco a poco deja un cuerpo amorfo. 

Esta visión de los cuerpos transformados en entes monstruosos por experimentos fallidos no sólo ha sido utilizada por Cronenberg, sino por una variedad de directores dentro del género del terror como un recurso valioso para mostrar todo tipo de monstruos que no podrían existir si no fuera por el atrevimiento de una mente perturbada y obsesionada con un objetivo particular, que muchas de las veces, permite obtener una ventaja sobre los demás.

Otro ejemplo que ayuda a delimitar aun más el enfoque del tema es la cinta de Frankenstein (en sus más de 33 versiones o adaptaciones pero mi favorita la de 1994 interpretada por Robert De Niro).

En esta historia encontramos un nuevo vehículo que provoca estas modificaciones corporales, el amor. Pues nuestro científico en cuestión, sólo se sirve de la creación de un ser monstruoso con partes de diversos cuerpos con el fin de encontrar una forma para regresarle la vida a su amada que murió. Acto que conlleva una historia de venganza el cual termina con un desenlace fatal.

Con estos antecedentes, ahora es que puedo mencionar la particularidad del tema, en donde me ayudo de tres ejemplos que tienen los mismos objetivos guiados por los mismos motores: la belleza, el deseo, la obsesión, la ciencia y por lo tanto lo inalcanzable.

Primero hablaré del antecedente que a mi parecer le da origen a las otras dos películas que quiero mencionar, esta película francesa que data del año 1960 basada en la novela de Jean Redon, es realizada por Georges Franju y titulada Ojos sin rostro (Le yeux sans visage). 

La cinta nos muestra en imágenes impactantes a blanco y negro la historia de un médico llamado Dr. Génessier, el cual está realizando investigaciones para poder regenerar partes del cuerpo, algo más parecido a lo que ahora conocemos como la reconstrucción de tejidos. Un día tiene un accidente en su automóvil, su hija que viajaba con él resulta lastimada y se le deforma el rostro. Él con el afán de restaurarle su rostro lleva a cabo un sinfín de atrocidades que involucran el experimentar con animales y mujeres. Sin embargo, su motivo que al principio era el bienestar de su hija, se transforma en una obsesión por regresarle esa belleza que el tanto desea sin importar los medios y las consecuencias. 

Esto le lleva a una travesía de penurias que provoca un desenlace triste e impactante. Uno de los aspectos más resaltable de esta cinta es el recurso de la imagen, ya que el hecho del rostro mutilado es manejado de una manera visual increíble en donde tenemos una máscara parecida una cara de porcelana que le protege el rostro a la hija y dejando una impresión de que la fealdad es un aspecto despreciable e inaceptable por la sociedad, el cual para el padre no puede ser ignorado y tolerado  a pesar de ocultarlo con esta mascara, haciendo pensar que algo horrible existe debajo de la máscara.

 Por otro lado, la hija desposeída de gestos contrasta con el sufrimiento y desesperación que posee, haciendo que las escenas en su presencia sean insuperables, hasta llegar al momento en donde a manera de un sueño borroso, se puede ver el rostro desfigurado de la hija, el momento cumbre para mí de la película por mostrar la transfiguración de dicho rostro mutilado. 

Aunado a esta maravillosa historia, algo que es igual de asombroso en este tipo de películas viejas, son los recursos que se utilizaban para crear los efectos especiales, ya que no se contaba con los aparatos que ahora se tienen, pero que eran tan ingeniosos en ese entonces que permitirán dejar una impresión y sensación distinta a la que ahora nos dejan las películas. No por nada las películas viejas de terror parecieran que nos asustan más que las de ahora, aun y con sus impactantes efectos y sonidos.

Esta extraordinaria película, tiene muchas cosas en común con este otro par de películas españolas y si bien no quiero dar la impresión de que son sólo variaciones de esta primera, si parece importante la influencia que dejó para poder crearlas. La primera de este par de películas españolas titulada Abre los ojos data de 1997, realizada por Alejandro Amenábar, una de sus primeras cintas con la cual afianzaría su reputación como un gran director español y que le valió algunos premios y la adaptación hollywoodense llamada Vanilla Sky.

 En esta cinta se cuenta la historia fatídica de Cesar, un chico adinerado y con una soberbia en su forma de ser. Un día sufre un accidente en su auto y su rostro queda horriblemente desfigurado. Utilizando su riqueza, pretende recuperar un rostro normal, pero sin conseguirlo, dejando como único recurso una máscara que muestra un rostro inerte y a expensas de su voz angustiante. 


Cesar entra en una enorme depresión ya que al tener el rostro en este estado le hace pensar que ya nada vale la pena. Un día, de manera sorpresiva todos sus penares se solucionan, su rostro es el de antes y todo lo que él deseaba lo tiene; sin entender muy bien el porqué de su buena suerte, continua con su vida como antes. Sin embargo, poco a poco empieza a alucinar situaciones que le remiten tanto al accidente como a su penar con su rostro y provocando situaciones fatídicas. 

Todo esto termina siendo resultado de un tratamiento científico que resultó no ser la mejor opción al problema.

Ahora antes de seguir comentando y analizando la cinta Abre los ojos, me permitiré hablar de la segunda cinta española, realizada en el 2011 por Pedro Almodovar y llamada La piel que habito. Si bien Pedro tiene una cierta forma de hacer películas la cual no es muy de mi agrado, en esta cinta su forma dramática de narrar las historias ayuda mucho en la temática para crear una atmósfera surreal en un entorno actual. 

La cinta basada en el libro Tarántula de Thierry Jonquet relata la historia de un doctor interpretado por Antonio Banderas, el cual no sólo es un médico plástico sino también un científico que experimenta con el injerto de tejidos y la modificación genética y fisiología de los organismos con el fin de obtener una forma que permita la restauración de distintos padecimientos corporales.Un día su hija es ultrajada y asesinada por un chico que se da a la fuga. El doctor en su sufrimiento y frustración decide vengarse.

 Su venganza es tan espeluznante ya que utiliza su conocimiento y proceder científico sobre su víctima. Sin embargo, la travesía se va complicando hasta el punto en que se convierte en algo tan retorcido que provoca una catástrofe en el desenlace de la cinta.

Ahora, de manera conjunta se puede ver como ambas cintas españolas tienen muchas cosas en común con la cinta Ojos sin rostro, pero más que una imitación o reutilización de lo hecho en esta cinta, creo podemos encontrar paralelismos como mera consecuencia de los motores que guían a las historias, como antes comentaba. En las tres cintas vemos que médicos/científicos con un motivo, llevan a cabo experimentos que les permiten sobrellevar sus penurias, o en el caso de Cesar que recurrió a una empresa científica que le “ayudó” a lidiar con sus pesares. 

Sin embargo como mencioné al inicio, el proceder científico es la única forma por la cual se pude llevar a cabo la transformación de los cuerpos. Algo muy interesante de resaltar en este aspecto de la experimentación científica para alcanzar un objetivo casi imposible, es la transgresión de lo permitido, llevar a cabo cosas fuera de los límites y que por lo tanto tienen consecuencias atroces o mortales. Esto no sólo resulta mal interpretable para el quehacer científico porque las formas de llevarse a cabo investigaciones corpóreas se quedan muy lejanas a las consideraciones de estas cintas, pero que sin lugar a duda sirven exitosamente para justificar el proceder de algo que no sólo pareciera ser cuestión de los científicos sino de cualquier persona, como es la obsesión por la belleza o el mero hecho de no ser distinto o señalado por la sociedad debido al aspecto físico.

Por eso podemos ver como en las tres cintas, la cuestión mental juega un rol muy importante, crea un entorno que muchas de las veces son poco satisfactorias, creando una ilusión malsana, donde las paranoias, neurosis y cambios de humor hacen de la transformación corpórea una mera forma de tratar de sanar los pesares mentales. Y que si bien no es el aspecto más común en el tema de la transformación del cuerpo en el cine, estos tres ejemplos me gusta enfocarlos en este aspecto porque hacen mención de este tema que suele ser de gran importancia en nuestra sociedad, la belleza a cualquier costo, y que muchas de las veces si termina por tener repercusiones muy graves sobre las personas y por lo tanto no sólo se queda en la ciencia ficción.

porque nos ponen de buenas!!!

En esta categoría yo digo que curiosamente muchos coincidimos en varias películas y la verdad es que todos compramos y ponemos en nuestra repisa aquellas cintas que nos ponen de buenas, que no nos aburren y que todo lo contrario cuando nos sentimos aburridos o bajoneados podemos contar con ellas, de hecho cuando la estamos viendo hasta esperamos con ansia la escena que nos hace cagarnos de la risa o en el caso de las chicas (si claro sólo las chicas (sarcasmo) ) el momento donde por fin todo sale bien en el melodrama. Bueno sin más preámbulos inicio esta lista que seguramente es interminable y que todos podemos decir que son verdaderas joyas del cine
Empiezo con una cinta que se volvió un verdadero clásico: “Amelie” y que se agregó de inmediato a la lista de las películas favoritas de muchas personas y es que independientemente de que sea una historia romántica, es una cinta llena de situaciones que nos hacen sentir tan reconfortados, nos hace recordar cosas que todos hemos vivido y lo mejor de todo es que durante toda la cinta se les da el enfoque cómico. Para completar estas cosas buenas podemos mencionar la fotografía que es muy buena y las actuaciones de cada uno de los personajes que le dan un extra .

La segunda un tanto viejita (o mucho) es “10 cosas que odio de ti”, esta cinta totalmente juvenil nos hace recordar aquellos estereotipos de la escuela y de los cuales en nuestros momentos nos encantó burlarnos de ellos, recordar el grupo de personas que frecuentábamos y sentir de alguna manera que podemos encajar en la cinta. Igual que muchas de las cintas que entran en esta lista esta cinta de comedia nos hace ver como todos podemos sucumbir ante las situaciones más cursis y no importa que tan rudo puedas ser a todos les pega igual. Claro que no aplique igual el finalde la peli que en la vida real jaja.

Una que no tiene mucho que salió pero se coló de inmediato fue “500 days of summer” creo que la mezcla entre música, romance juvenil, relaciones contemporáneas y la edición hacen que deje un buen sabor de boca al verla, sobre todo porque casi todos o les encanta sentirse identificados o pensar que son parecidos a los personajes, así que hay para todos los gustos además de que el final prometedor hace que absolutamente todos tengamos posibilidades en cuestión de amor, hasta los más ñoños.

Ahora una que muchos no han visto pero que deberíamos de ver todos es la cinta “Happy-Go-Lucky”. En esta cinta nos encontramos a una chica que yo considero la versión femenina de Roberto Benigni y a muchos puede que no les parezca esto ya sea porque les choca ese actor o porque esta chica tiene mucha más onda. Todos sin importar el género quisiéramos ser como la protagonista Poppy una persona que aborda todas las situaciones de la mejor manera posible, libre de hacer absolutamente lo que quiere, de conocer a las personas e intereses más variados y gustosa de sentir las cosas como vengan y aprovechándolas, bueno podría seguir alabando a Poppy el chiste es que durante la cinta nos encontramos con una comedia que te hace sentir tan bien que al acabar de verla lo único que puedes pensar es “debo de comprar esa peli”.

La última creo que es por puro gusto personal se llama "rompecabezas" y tal vez a diferencia de los personajes anteriores, esta cinta que encabeza una ama de casa, nos hace ver como el explorar nuevas experiencias y cosas que nos gustan son aspectos que no debemos dejar de lado por las actividades o deberes diarios. Esta cinta me gustó por cada uno de los personajes que le dan el toque agradable que te hace pasar entre el drama, el romance y los aspectos chuscos que no solo involucran a los jóvenes sino a los mismo adultos y las situaciones contemporáneas, yo cuando la vi me recordó en cierta manera a Amelie y con esta referencia espero queden almenos intrigados.

Regreso primera parte

Sé que ya ha pasado algo de tiempo desde que en la ciudad de México se presentó el 31 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA NACIONAL. Pero es que en esta ocasión tuve la oportunidad de ver casi todo el repertorio de cintas que se presentaron y la verdad estuvo muy bueno!!!
Voy a empezar a mencionarlas no en el orden en el que se presentaron, sino en orden de cuál fue la que me gustó más hasta llegar a la que menos.
La primera en la lista es la cinta “Pez Mortal”, esta cinta la vi por el hecho de que desde que empezó el foro me propuse ver todas las cintas (que claro no se pudo) pero en un principio al leer la reseña que se presentó en la página de la cineteca está cinta no me llamó la atención, así que más por convicción que por gusto entre a verla. Sin embargo conforme iba pasando la cinta hubo varias cosas intrigantes que iban haciendo cada vez más buena e interesante. Al principio todo indica que se trata de una cinta de gore con toques humorísticos, nada fuera de lo normal, sin embargo casi llegando a tres cuartos de la cinta te das cuenta de que el final que parece predecible toma un giro bastante novedoso y es ahí donde todo puede ser posible, pero lo mejor está al final con el desenlace que le da el director, te deja con la boca abierta y en ese momento recuerdas que esta historia es basada en hechos reales y que duro más de dos horas y para nada uno se percata del tiempo transcurrido y empiezan a salir los créditos en la pantalla y sólo puedes decir WOW!! Algo curioso es que en la sala había cerca de 50 personas viendo la cinta pero tomando en cuenta la cantidad de sangre y cosa raras que pasan en la pantalla, uno pensaría que quedaríamos la mitad de las personas, pero no, ninguna se salió y no sólo eso, al final empezaron a aplaudir. Creo que con esto dejo claro el porqué me gustó tanto así que sólo cabe mencionar la pequeña reseña de la historio.

Todo empieza con tipo vendedor de peces que recibe una llamada de que su hija fue detenida por robo, el acude y conoce a una persona irreverente, amable y bondadosa que intercede por la hija y la salva del castigo, aunado a eso el tipo bondadoso ofrece reformar a la hija cuidándola en su casa y dándole un trabajo en su tienda de peces, que sirvió para que también ofreciera su amistad al padre de la chica, el padre es una persona que nosotros llamaríamos pasiva y de un carácter sumiso, así que tanto su esposa, como su hija lo tratan como quieren, el hace todo lo que le dice su nuevo amigo y conforme va accediendo a esas peticiones se da cuenta de que ni es bondadoso, ni amable sino que todo es un montaje para robar, matar y conseguir un imperio en el “bisnes” de los peces exóticos, el individuo no tiene salida y termina siendo el compinche del asesino, tratan de enseñarle el negocio y es entonces cuando sucede algo inesperado, el individuo entra en crisis y las cosas salen distintas de lo que todos esperan….
La segunda en la lista es “Las marimbas del infierno (Guatemala 2010)” de Julio Hernandez con un estilo que tan sólo con dos cintas en su haber ya se nota característico, hace de este documental-thriller-humor una excelente cinta para reírse a carcajadas, identificarse con los personajes, contemplar una excelente fotografía y acabar con una sonrisa en la boca. Esta cinta trata de un músico de marimba que ante la difícil situación para conseguir trabajo en el ámbito musical recurre a formar una banda de metal que incorpore la marimba en las canciones. Lo mejor es cada uno de los personajes, hacen que parezca una parodia llevando a su mero estilo la problemática ante la que se encuentran.

La siguiente se llama “cuatro estaciones” una cinta italiana de Michelangelo Frammartino que muestra una forma novedosa de hacer cine. La historia trata de cuatro historia que se llevan a cabo en la zona rural de Italia para mostrar en general los ciclos de vida y muerte, una de ellas muestra el desenlace de un anciano cuidador de cabras devoto del cristianismo

, la siguiente es interpretada por una cabra desde su nacimiento hasta

la infortunada perdida en el bosque de ella, la siguiente es el reflejo de la vida de un árbol acompañada de la transformación en materia que sirva a la comunidad. La cinta es casi en su totalidad desprovista del habla, pero sin embargo lo increíble de ella es como llevando las escenas de una forma minimalista puede hacerte entrar en cada una de las historias y creer lo importante de ellas, provocar risas, tristeza y hasta largos momentos de reflexión. Una verdadera obra de arte que se ve fue hecha con sumo cuidado para llegar a provocar tales resultados en los espectadores.


La cuarta es “Aurora” dirigida por Cristi Puiu es una cinta bastante atractiva por su temática. Si bien esté tema había sido tocado en otras películas, es interesante como es que va retratando la compleja reacción que sufre el protagonista ante una sociedad que se encuentra ante una opresión política. Esta situación hace que el protagonista, aislado e introvertido refleje toda esta problemática desde pequeños eventos de violencia además de seguir lidiando con sus problemas diarios. Tal vez en algún momento la película resulta lenta y poco atractiva pero en mi opinión este ritmo y sucesión de hechos son necesarios para reflejar lo que hace que el protagonista se convierta en esa otra persona. Tal vez este tema es un problema más frecuente de lo que pensamos.

La quinta es “108 cuchillo de palo” de Renate Acosta. Un documental que trata desde un punto de vista muy personal un episodio histórico en Chile en donde la discriminación y la represión a los homosexuales fue muy importante. Está cinta tal vez al ser retratado desde un punto totalmente subjetivo (el de la directora que está totalmente inmiscuida en la historia) hace de este tema una visión muy interesante y que en cierta forma a mi parecer hace tener empatía con la directora y hasta cierta forma compartir su opinión sobre generaciones mayores a la nuestra (la adolecente) ante estos temas que parecen ser tabú aun entre ciertos sectores sociales. Además de que al final casi te saca una lagrimita.

Actores que siguen en la linea de salida

En esta ocasión voy a nombrar a aquellos actores que han participado en cintas buenas, malas y unas de las cuales ni siquiera nos enteramos, pero en realidad los menciono porque a mi parecer son actores que dan para muuuucho y sin embargo nunca han pasado de tener papeles secundarios, complementarios y sólo en algunas ocasiones les han dado la oportunidad de hacer protagónicos, pero que actualmente siguen estando ahí, en espera de tener papeles mejores debido a que si la “rifan”.

El primero es Cillian Murphy a lo mejor la cinta más conocida de él es “Exterminio” donde se pudo ver que puede interpretar fácilmente personalidades totalmente distintas y dejando en el espectador un asombro grande por estas actuaciones. Esto también lo podemos ver en una cinta que se llama “Desayuno en Plutón” donde interpreta a un homosexual de los años 70´s pero lo interesante es que si bien Cillian posee una voz muy grave(o varonil en otras palabras) en este personaje, donde podría parecer que es el menos indicado para representarlo, es tal su actuación que te hace olvidar todos aquellos otros personajes que ha interpretado y hace totalmente creíble su papel.
Es cierto que ha actuado en un sinfín de cintas, muchas de estilo comercial, lo raro es que después de su actuación en “Exterminio” o esta última mencionada, uno pensaría que los protagónicos vendrían como avalancha, lo lamentable es que parece que cada vez le dan papeles menos importantes. Yo digo que es un gran actor

El siguiente es Guy Pearce, aquel que represento a Leonard en la cinta “Amnesia” una de las más grandes en la historia del cine (claro sólo desde mi punto de vista) y a parte de su trabajo aquí mencionado, solo ha tenido unos cuantos protagónicos más, pero la mayoría de estas cintas son totalmente desconocidas y ni siquiera se puede decir que son trabajos increíbles, son todo lo contrario, son insípidas, prescindibles de ver. Luego al igual que lo sucedido con Cillian, el mercado comercial sólo lo ha utilizado como de relleno, con papeles de 10min a lo máximo y de ahí no podemos decir más. Yo lo quería ver en papeles parecidos al de Memento pero lamentablemente, no existen tales cintas.

Uno más es Sam Rockwell, un tanto desconocido debido a que a diferencia de los actores mencionados anteriormente, este actor no tiene una cinta distintiva, pero que a mi parecer es un gran actor, algo curioso es que casi no posee protagónicos en la gran filmografía que tiene hasta el momento, sin embargo a pesar de lo comentado, el hecho de participar en cualquier proyecto es garantía de que la cinta es buena. Tal vez unas de las excepciones a lo comentado de que no posee protagónicos, es su actuación en la cinta debut del hijo de David Bowie llamada “Moon”, y también su protagonización en la cinta llamada “Choke” con guión del escritor de la cinta “El club de la pelea”. En su mayoría sus papeles suelen ser personas extravagantes (los cuales a mí me gustan mucho) y los cuales representa con mucha particularidad. Por eso, a pesar de estar en las filas traseras del cine, yo cada vez que veo una cinta con este actor, me inclino por verla sin leer una crítica o saber de qué se trata la cinta.

El siguiente es un actor que parece ya se ha colado a la grande, obteniendo protagónicos importantes, pero a mi parecer, aun no se le da el crédito que se merece, me refiero a Emile Hirsch. Él ha hecho de verdad papeles muy variados, desde churros tan gringos como cintas sumamente independientes, y es en este rubro donde precisamente he visto actuaciones muy buenas, desde sus inicios a una edad muy temprana, ya se dedicaba a hacer papeles muy complicados y este actor tal vez es el que se ha mantenido más constante entre los actores mencionados en el post en cuanto a género se refiere, su última participación en “Milk” nos deja ver un poco que tan versátil puede ser, tal vez no sea su mejor cinta, pero si demuestra como sigue apostando por papeles en cintas muy rescatables.

Espero compartan mi punto de vista y si no sería bueno que mencionen los porque, además de que deben de existir muchos más, si recuerdan de uno me encantaría conocer su trabajo